Politisch motiviert

Donaufestival Krems (2.–5. + 9.–11.5.), 9. bis 11. Mai

„Jede Zeit hat ihren eigenen Faschis­mus.“ Dieses Zitat von Primo Levi war heuer ein inoffizielles Motto des Donau­festivals in Krems, es fand sich auf Stoff­taschen und kostenlosen Aufklebern ge­druckt. Die Historikerin Marci Shore et­wa spricht diesbezüglich, zunächst mit Blick auf Russland, aber mittlerweile auch auf die USA („Putinismus“, „Trum­pismus“), von „Postmodernem Faschis­mus“ und markiert als charakteristischen Unterschied zu den klassischen Faschismen der Vergangenheit heute einen weitgehenden Verzicht auf absolutistische Wahrheitsansprüche im ideologischen Sinn: Vielmehr gehe es heute um die Abschaffung eben von Wahrheit selbst. Jedwede Einschränkung eigenen Handelns durch empirische Realitäten, durch evidenzbasierte Fakten, sei es einen Seuchenvirus, sei es den Klima­wandel betreffend, wird bekämpft und negiert. Anstelle der klassischen faschis­tischen Mobilisierung einer Massen­be­wegung trete in der postmodernen Vari­ante Demobilisierung, Passivierung und Sedierung durch regelrechten Fake-News-Overkill. Das offizielle Festivalclaim Con­fusion is next, Titel einer Sonic Youth-Nummer von 1983, bringt den hier nur angedeuteten zeitdiagnostischen Kon­text nicht minder passend auf den Punkt: Im Zeitalter der „post truth“, der „alternativen Fakten“ und „gefühlten Wahr­heiten“ lösen sich vernunftbasierte ge­sellschaftliche Diskurse in Lügen, Pöbe­leien, Verschwörungsmärchen und blanke Hetze in den Kloaken der sozialen Medien auf. „Flood the zone with shit!“, das Motto des Trump-Rasputin Steve Bannon, also die Strategie, die Infor­ma­tionszone mit einem dauerhaften Schwall von Desinformation, Skandalen, Zerset­zung, Gerüchten, Fake News und Dro­hungen zu überfluten, ist längst gängige Praxis aller Populisten und Demagogen.

Was tun? Das Donaufestival Krems versteht sich traditionell ausdrücklich als gesellschaftspolitisch orientiertes Kultur­event und keinesfalls nur als Mu­sik­fes­tival, es attestiert sich gesell­schafts­poli­tische Relevanz und will diese auch at­testiert bekommen. Das altersge­misch­te, überwiegend wahrscheinlich akademisierte Publikum darf als vergleichsweise kulturell wie auch politisch interessiert und informiert gelten. Ent­spre­chend boten Filme, Performances, Kunst­ausstellungen und Diskussions­run­den Möglichkeiten einer zielgruppenadäquaten Bewusstseinsschärfung. Mit Georg „Überbau“ Seeßlen und Dietmar Dath (leider kurzfristig erkrankt) fanden sich etwa zwei der versiertesten Kultur­kriti­ker des deutschsprachigen Diskurs­raums geladen, um sich gerade auch Fragen eines möglichen Neuanlaufs aufklärerischer Theoriebildung zu widmen. Wie auch bei anverwandten Events, die Mu­sik und Kunst mit Gesellschafts­ana­lyse verbinden, also etwa das Elevate in Graz oder die Ars Electronica in Linz, bleibt freilich stets die Frage nach der Subs­tanz und Nachhaltigkeit solch eh­renwer­ter Bemühungen.

In Krems jeden­falls schien die gegen­wärtige Theorie­losigkeit mit Händen zu greifen, sobald sich politische Deklama­tionen auf und vor der Bühne in wohlfeilen (und unterkomplexen) „Free Pales­tine!“-State­ments in Wort und Fahnen­symbolik er­schöpften (und einmal auch zu aggressiven Unmutsäußerungen im Publikum führten). Politische Aussagen on stage waren meist nur eigene Betrof­fenheits­bekundungen angesichts der aktuellen Weltläufte (und das mitunter enervierend) oder auch eher szenetypischer Ausdruck identitätspolitischen Zeit­­geists, denn Ausdruck theoriegesättigter Ge­gennarrative zur gegenwärtigen „Rezes­sion der Demokratie“ (Larry Dia­mond).

Ganz anders indes die politische Aus­sagekraft der brasilianischen Perfor­mance­aktivisten der Original Bomber Crew, die mit ihren Ausdrucksmitteln, einer Mischung aus hektischer Bewe­gung (etwa auf Skateboards), Posen und Tanz in düster abgedunkelter Halle symbolisch und spektakulär Straßenkämpfe und Demonstrationen in Favelas nach­inszenieren. Auch die erfrischend vielseitige, immer wieder mit neuen Projek­ten und Kollaborationen überraschende Moor Mother aka Camae Ayewa bot mit Lon­nie Holley einen politisch relevanten, gesangslastigen Streifzug durch die Black History mit Anlehnungen an Blues, Soul, Gospel und Jazz, vorgetragen mit tiefem, gefühlvoll-vibrierendem Pathos. Kein heiterer, sondern ein nachdenklicher Ab­schluss des Festivals, den politisch und sozial düsteren Zeiten entsprechend.

Bezüglich dem politischen Anspruch eines Kulturfestivals wie Krems, das trotz allem doch überwiegend ein Musik­festival ist, stellt sich ohnehin die grund­sätzliche Frage: Ist nicht schon allein die Neugierde auf teils Unerhörtes, ist die intellektuelle Bereitschaft und der zugehörige soziokulturelle Habitus, Musiken weit jenseits kulturindustrieller Massen­ware zu goutieren, sich mit Leuten zu vergesellschaften, die teils ähnliche mi­noritäre Geschmäcker und Orientie­run­gen leben, nicht bereits politisch genug? Ist, um ein schönes Beispiel zu nennen, ein konstruktiv-zerrüttendes, jedweder Mainstreamverwertung unzugängliches Industrial-Noise-Inferno wie jenes von Yellow Swans auf seine Art nicht auch ein politisches Statement? No bullshitting, keine Betroffenheitsbekundungen, nur pure, jede Körperzelle durchdringende Soundenergie, die das Duo Pete Swanson und Gabriel Mindel Saloman da erzeugen: Let the music do the talking! Wer dachte, danach kann in Sa­chen Energie gar nichts mehr kommen, sah sich getäuscht: HHY & The Macum­bas erzeugten mit ihrem monotonen, aber originellen und mitreißenden Sound, einer Art technoidem „Industrial Dub“, beste Stimmung, was auch in der coolen, trotz ihrer Vitalität von posenhaftem Understatement getragenen Show dieses Septetts gründete.

Wer will, dass ihm oder ihr auf Festi­vals alles gefällt, muss auf inhaltlich-thematisch enggeführte Genrever­anstal­tun­gen gehen, ein Programm wie in Krems ist absichtlich zu divers, um jeden Ge­schmack treffen zu können oder auch nur zu wollen: So kommt es beispielsweise, dass die von vielen umjubelte Haley Fohr alias Circuit Des Yeux mit ihrem leidenden Emo-Gothic-Style andere eher fadisiert, der in der Tat beeindruckenden Stimme zum Trotz. Weitere Impressionen und Beleg der Vielseitig­keit des Gebotenen: Das neunköpfige Shovel Dance Collective bietet English-Scottish-Irish-Folk-Tunes in Rebel-Song-Tradition dar, gleichfalls das Quartett Lankum aus Dublin, beide inszenieren aber kein tanzwütiges Folkspektakel à la Pogues, sondern überwiegend traditionelle, nicht selten balladeske Songs. O., das sind Joe Henwood und Tash Keary, erinnern als Duo an White Stripes und White Miles, wobei die Drummerin aber nicht von E-Gitarre, sondern vom Bari­ton­sax begleitet wird. Imposant, leider aber mit zu viel Dröhnen und übersteuertem Sax und insbesondere zu viel Ge­rede zwischendurch. Bei Use Knife stellt sich die Frage: Ist das Weltmusik, dieser Mix aus westlich-technoiden und arabischen Sounds und Instrumenten?; das Duo Demdike Stare lässt danach zur Kontrastierung technoides Noise-Ge­witter herabprasseln. Von vielen freudig erwartet und mit Vorschusslorbeeren bedacht: Spiritualized: ein wilder, lauter Gig, der an Melvins gemahnt und passagenweise auch an die Swans an­lehnt, aber kaum beginnen die zehn(!) auf der Bühne das Publikum in einem Mælstrom des Noiserock zu verschlingen, kommt verlässlich gleich die nächs­te Ballade ums Eck und sediert die Oh­ren fast schon mit Soft-Rock. Den meisten hat‘s trotzdem gefallen.

Festivals sind, mit Michel Foucault sprechend, „heterotope Räume“, das sind konkrete, gelebte Dystopien oder, wie hier eben, Utopien, freilich zeitlich und räumlich klar begrenzt und definiert. Jede heile Welt des Festivals, von (häufig) Gleichgesinnten und von erbaulicher Kunst und Kultur umgeben, hat ihr Ende, danach geht es wieder in den Alltag zu­rück. Vielleicht dann aber doch immerhin mit ein paar neuen Ideen und Inspi­rationen, nicht zuletzt auch mit Endor­phinen im Blut, die eine Zeit lang nachwirken. Diesen Anspruch erfüllt ein Event à la Donaufestival allemal – und das gar nicht zu knapp.

Bernd Lederer